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Pendant longtemps, seuls les matériaux dits « nobles » comme le bronze, le marbre ou les pigments étaient admis pour réaliser une œuvre d’art. Aujourd’hui, cette « règle » est presque désuète. De nombreuses œuvres d’art sont désormais réalisées avec des plastiques, des déchets, etc. Le recyclage prend à l’évidence une place de plus en plus importante dans le domaine des arts plastiques. On vous en dit plus !

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Tous les domaines artistiques ont évolué à travers le temps avec les différentes révolutions de la discipline. Parmi ces dernières, l’époque de l’art contemporain a marqué les âges et se trouve aujourd’hui partout autour de nous. Plusieurs mouvements ont défini cette période importante dans l’histoire de l’art.

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Quelque part au Vatican en mai 1508, un célèbre sculpteur venait d’accepter la lourde et inédite mission de décorer le plafond de la chapelle Sixtine en y peignant des fresques à personnages. Vivement critiqué et sous-estimé sur sa capacité à être à la hauteur d’une telle tâche, Michel-Ange achevait 4 ans plus tard ce qui deviendra le plus grand chef-d’œuvre de l’art de la Renaissance. Focus sur l’œuvre la plus populaire du sculpteur devenu peintre par la force des choses !

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L’art, par diverses techniques et sur différents supports, vise à toucher les sens et les émotions. Il est partout autour de nous sous une multitude de formes : peinture, sculpture, architecture… Dans cet article, nous vous proposons de découvrir une œuvre intemporelle : l’énigmatique tableau Le Baiser de Gustav Klimt.

À propos de Gustav Klimt

Gustav Klimt est un peintre symboliste autrichien. Il est né le 14 juillet 1862 à Baumgarten et est mort le 6 février 1918 à Vienne. Il est l’un des membres les plus éminents du mouvement Art nouveau et de la Sécession de Vienne. Tout au long de sa vie d’artiste, Klimt s’est démarqué des autres par ses impressionnantes œuvres (murales, peintures…). Prenant comme principal sujet la femme et son corps, les œuvres de Gustav Klimt sont marquées d’un franc érotisme. Cela fait de lui le vecteur d’un courant artistique nouveau. La plupart de ses œuvres, fortement critiquées et jugées pornographiques, ont toutefois eu de grands succès. On peut citer : La Philisophie (œuvre qui a reçu une médaille d’or à l’Exposition universelle de Paris en 1900), La Médécine, la Jurisprudence, Le Baiser, etc.

Le Baiser, une géniale conception de Klimt

Le Baiser est probablement le tableau le plus célèbre du Cycle d’or de Klimt. Réalisé de 1908 à 1909, ce chef-d’œuvre a été peint à un moment critique de la carrière de l’artiste. Le tableau Le Baiser est une tuile sur toile recouverte de feuilles d’or. Il est conservé au palais de Belvédère à Vienne. De forme parfaitement carré, il offre aux amateurs d’art, une scène d’amour aux couleurs chatoyantes. Tendresse et passion sont véhiculées dans cette œuvre qui dépeint l’hymne à l’amour. La toile présente un couple, portant des robes décorées complexes, enlacé sur un parterre fleuri.

Analyse du tableau Le Baiser

Avec cette huile sur toile de grandeur nature 180×180 cm, le peintre autrichien révèle son art empreint de modernité et rattaché au mouvement symboliste. Avec Le Baiser, Klimt aborde une étreinte amoureuse née de multiples inspirations. Le tableau montre un couple qui s’embrasse enveloppé dans un immense manteau d’or. La décoration du vêtement varie selon le sexe. Rectangles blancs et noirs faits de traits grossiers prouvent la virilité de l’homme.  Cercles de couleurs et fleurs symbolisent la délicatesse de la femme. On voit émerger les têtes et les mains dans une profonde expression d’intimité. La femme, agenouillée, se donne à son amant en gardant les yeux fermés. Elle se laisse entraîner dans un monde harmonieux envahi par la passion de l’amour.

Le tableau porte l’accent sur la femme car le visage de l’homme reste caché. Le visage de la femme montre une expression d’extase et de volupté car ses yeux clos évoquent l’abandon. La position de l’homme laisse transparaître la fougue. Mais ses mains, entourant le visage de sa compagne, évoquent plutôt la tendresse. Dans leur étreinte, les amants semblent ne jamais pouvoir être contrariés. L’œuvre a trouvé écho dans une plus récente littérature (Julio Vives Chillida, 2008). Le Baiser y est interprété comme une représentation symbolique du moment où Apollon embrasse la nymphe Daphnée, du point de vue de l’iconographie.

La liberté guidant le peuple d’Eugène Delacroix est un célèbre tableau qui se situe dans l’actualité brûlante de 1830. Le tableau constitue tout une symbolique autour des Trois glorieuses qui ont précipité la chute de Charles X. Voici une petite analyse de ce chef-d’œuvre.

À propos du tableau

La liberté guidant le peuple est un tableau au grand format. Il mesure 260 cm de large sur 325 cm de longueur. C’est une peinture à huile réalisée par Eugène Delacroix​​​​​​. Ce dernier a réalisé l’œuvre entre octobre et décembre 1830. Le tableau fait partie de la collection du musée du Louvre​​​​​​. Il est considéré comme étant l’un des tableaux les plus engagés du romantisme. La Liberté guidant le peuple, en histoire des arts, est un sujet d’étude très intéressant. En effet, il est en quelque sorte une allégorie des Trois glorieuses, une actualité de l’époque. Il faut également savoir qu’Eugène Delacroix a d’abord nommé sa toile 28 juillet. Il s’agit la date de prise de l’hôtel de ville de Paris. L’analyse d’une telle toile revêt une grande importance non seulement pour un spécialiste en histoire des arts mais également pour un passionné d’histoire.

Iconographie de l’œuvre

La Liberté guidant le peuple représente une scène qui se déroule en plein Paris. On peut noter la présence des tours de la cathédrale Notre-Dame de Paris qui pointent à travers la fumée épaisse. Le tableau nous présente une foule en colère en train de franchir une barrière. On peut apercevoir des corps de soldats se mélanger aux poutres et aux pavés. L’un des personnages principaux de l’œuvre est une femme, une roturière qui porte un bonnet phrygien et dont la poitrine est légèrement découverte. Elle tient entre ses mains le symbole de la République​​​​​​, le drapeau tricolore et un fusil. Le drapeau est peint de telle sorte qu’il occupe tout l’axe médian du tableau. Au second plan, on trouve des personnages comme un bourgeois, deux enfants des rues, un paysan ou encore un ouvrier arborant un béret et un sabre. On peut également apercevoir un étudiant de polytechnique reconnaissable à son bicorne. Eugène Delacroix fait usage en majorité du bleu, du blanc et du rouge, symbolisant ainsi l’idéal républicain. Des couleurs plus ternes comme le gris et le brun sont également utilisées. L’auteur utilise des couleurs chaudes pour les émeutiers.

La place de la femme qui tient le drapeau dans l’œuvre

La femme qui tient le drapeau et le fusil occupe une place importante au sein du tableau. Elle est posée fièrement à la tête des émeutiers tête tournée vers l’arrière comme si elle haranguait la foule. On peut la voir bien-sûr comme la liberté, la fameuse liberté qui guide le peuple. Néanmoins, on peut aussi voir cette femme comme une allégorie de la femme pilier de la société. Sa poitrine est dénudée pour évoquer le rôle de nourrice de la femme. En ces temps où la vie est dure, il est normal que la femme soit la première à subir les conséquences de la conjoncture de politico-économique.